Pouvez- vous revenir sur la création du groupe et les anciens membres du groupe qui ont partagé les scènes ?
A l’origine on trouve trois professeurs de musique de ce qui s’appelait alors le Conservatoire régional des musiques et danses traditionnelles de Lorient, devenu ensuite le centre culturel Amzer Nevez. Youenn Le Bihan à la bombarde, Patrice Quérré au violon et Yann Fanch Perroches à l’accordéon qui font appel à Gilles Le Bigot à la guitare pour animer leur premier fest noz en quartet au Conservatoire régional le samedi 14 avril 1984. Le nom de ‘ SKOLVAN ‘ sera trouvé un peu plus tard pour une tournée d’une semaine en Galice en septembre 1984.

Repères cf pièce jointe

Lire également sur Wikipédia avec un historique très complet : https://fr.wikipedia.org/wiki/Skolvan_(groupe_de_musique)

Quelle était l’ambiance des festoù noz de l’époque, les moyens techniques… ?

Les années 80 ont été ce que l’on appelle ‘ Le creux de la vague ‘
J’ai commencé à jouer dans les festoù noz en 1976, essentiellement en Haute Bretagne où l’on sentait un frémissement en particulier avec l’arrivée de jeunes groupes comme GALORN ou LA MIRLITANTOUILLE, vous avez raison d’associer Ambiance et Moyens techniques car mes premiers festoù noz je les ai faits avec des sono Bouyer c’est à dire des sonos de kermesse avec des cornets comme enceintes et des tables de mixage à 4 entrées avec simplement un volume du grave et de l’aigu… Les premières véritables sonos sont arrivées dans les festoù noz à la fin des années 70 avec des gens comme Michel Caous (qui créa ensuite Eurolive) ou Jean Claude Chidiac qui arrivait de Paris avec une bonne longueur d’avance. Encore une fois, de mon expérience avec le groupe GALORN, les salles se sont remplies quand le son est devenu bon, à la fin des années 70 nous faisions au minimum 1000 entrées à chaque fest noz dans les Côtes d’Armor avec un public très jeune, il faut dire que nous nous affranchissions des règles propres à la musique traditionnelle à danser pour faire une musique plus moderne mais plus proche de la musique folk de l’époque (Planxty, Bothy Band en passant par Malicorne).

Ensuite le soufflet est retombé et au début de Skolvan en 1984 nous jouions devant 200 personnes maximum avec une moyenne d’âge de plus de 40 ans. Les années 80 ont été difficiles mais paradoxalement très riches du point de vue musical, ce fût un laboratoire d’idées avec la rencontre déterminante entre musiciens issus du folk (comme moi) et musiciens issus de la musique traditionnelle (comme Youenn Le Bihan). Hormis des groupes comme SONERIEN DU (1971), DIAOULED AR MENEZ (1971) BLEIZI RUZ (1973) KANFARTED ROSTREN (1975) TAMMLES (1980) les années 80 ont vu émerger de nombreux groupes dont certains ont durablement marqués l’histoire de la musique bretonne, GWERZ (1981) BARZAZ (1988) et en fest noz PENNOU SKOULM (1982) BF 15 (1983) SKOLVAN (1984) STORVAN (1984) CARRE MANCHOT (1986). Les choses se sont nettement améliorées à partir des années 90.

Au début de SKOLVAN nous avons très vite compris qu’il nous fallait quelqu’un pour nous accompagner au son, un ami accordéoniste Michel Biard, passionné de musique cajun nous a sonorisé pendant les premières années avec sa petite sono faite de bric et de broc, mais qui arrivait à un résultat plus qu’honorable. Nous avons arrêté de travailler avec Michel Biard quand les salles sont devenues plus grandes, le public plus large et donc la puissance insuffisante.

Beaucoup de choses ont changé depuis la création de Skolvan, sur scène, comment expliquez vous la longévité du projet et ce lien qui vous unit entre musiciens et le public ?

La longévité d’un groupe est liée au succès rencontré au fil des années et à l’amitié qui se tisse entre les membres du groupe. Autrement dit, la rencontre avec le public et la bonne entente au sein du groupe. Depuis le début de Skolvan, 9 musiciens ont fait partie du groupe, seuls Youenn Le Bihan et moi sommes là depuis le début, l’arrivée de Bernard Le Dreau et 1997 et Régis Huiban en 2009 a renforcé la stabilité de l’ensemble et le plaisir de jouer ensemble reste à chaque fois intact. Le respect de la danse a été notre fil rouge depuis la création du groupe, notre public est constitué de danseurs amoureux de la danse bretonne, leur nombreux témoignages nous font part du plaisir qu’ils ont à danser sur notre musique.

En 40 ans de scène, Skolvan a su garder un son propre au groupe, reconnaissable parmi tant d’autres. Quels sont au début de la création de Skolvan les univers qui vous ont inspirés, sont ils toujours les mêmes aujourd’hui ?

Depuis la création de Skolvan c’est l’univers des sonneurs et des chanteurs traditionnels qui nous ont inspirés. Nous avons gardé cette ligne depuis le début et continuons à nous inspirer de ce répertoire extrêmement riche. Nous avons toujours privilégié les airs, les thèmes les lignes mélodiques, les arrangements arrivent ensuite selon l’inspiration et dans ce domaine, à partir du moment où la base est solide, nous pouvons intégrer des influences multiples.

Avez-vous de nouveaux projets ?

Nous avons commencé à travailler sur des nouvelles compositions sans pour l’instant de projet précis. Pour la tournée des 40 ans nous allons revisiter les ‘tubes’ de Skolvan et le projet est également d’inviter des jeunes musiciens (iennes) à jouer avec nous sur scène, à ce stade nous ne pouvons encore dévoiler leur identité, l’idée est de changer en fonction des lieux en privilégiant des musiciens (iennes) locaux.

Comment voyez vous l’avenir pour la culture bretonne ?

C’est une vaste question, il est difficile de dissocier l’avenir de la culture bretonne de l’avenir du monde en général… Si l’on fait abstraction de ce dernier point, le constat est que la culture bretonne dépend en grande partie du monde associatif, c’est ce qui fait notre force et notre fragilité en même temps. Les années Covid ont eu un impact destructeur sur le monde associatif, beaucoup d’assos vieillissantes ont mis la clé sous la porte et j’ai le sentiment qu’aujourd’hui nous nous retrouvons d’une certaine manière dans la situation des années 80 … La grande différence, et pas la moindre, est que notre musique intéresse de plus en plus de jeunes musiciens avec un excellent niveau musical. La culture bretonne est désormais inscrite dans notre paysage et elle ne disparaîtra pas grâce à tous les militants, les sympathisants, tous les gens qui n’ont plus honte de dire qu’ils sont bretons, qu’ils parlent breton, qu’ils écoutent de la musique bretonne. L’avenir est désormais entre les mains de la jeune génération.

Quel est votre ou vos meilleurs souvenirs de vos 40 années de scène ?

C’est difficile d’extraire quelques bons souvenirs tant ils sont nombreux. Parmi les plus curieux il y a ce concert de Skolvan en 1994 sur le toit de la tour Montparnasse, un des plus marquants est le concert à Milan au Teatro Picollo en 2002 avec un Jazz Band de 20 musiciens. Nos meilleurs souvenirs resteront les très nombreux moments passés au fest noz en compagnie des danseurs et ces instants magiques où à la fin du morceau on se dit : ‘ Là, il s’est passé quelque chose de fort’ merci à eux !

SKOLVAN aujourd’hui:

Régis HUIBAN : Accordéon chromatique

Gilles LE BIGOT : Guitares

Youenn LE BIHAN : Bombarde ,  Piston

Bernard LE DREAU / Saxophone

Toutes leurs dates : https://www.tamm-kreiz.bzh/groupe/1192/Skolvan
Photo de Une et photo finale de  Serj Philouse.

Laetitia LEMOINE

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Qu’évoquent le titre et la photo de ton tout nouvel album avec L’ensemble des imaginaires ?
Une certaine indolence et un peu de mystère. Les paysages du photographe Serj Philouze me plaisent (ils sont d’ailleurs sur les pochettes des derniers CD de Wipidoup et Skolvan).
Waiting for tea time est le titre à la fois de l’album et d’un morceau composé il y a 3 ans. Une allégorie de nos musiques, celles qui nous font attendre des jours meilleurs.

Comment s’est fait le choix des musiciens qui t’accompagnent autour de cet album, riche de sonorités diverses ?
Les sons ont leur importance bien évidemment mais l’humain aussi. Il y a dans ce groupe des musicien(ne)s avec qui je travaillais déjà sur d’autres projets comme Philippe Gloaguen (guitares), Pierrick Tardivel (contrebasse, ‘ngoni) et Mathilde Chevrel (violoncelle). Sur certains morceaux je souhaitais des percussions (comme les tablas ou le bendir), j’ai donc sollicité Jérôme Kerihuel. Enfin, Geoffroy Tamisier a accepté mon invitation, j’avais déjà entendu son timbre de trompette incroyable auparavant avec Jacques Pellen ou dans le trio Lagrimas Azules. Cette dream team n’est pas figée, et sur l’album elle est augmentée de 6 invité(e)s : au chant, Nolùen Le Buhé et son frère Gildas, avec qui je joue depuis longtemps sur d’autres répertoires ; Vincent Mascart, étonnant saxophoniste rencontré en festival de jazz ; Brian Ruellan, ici au bugle, qui avait assuré un remplacement de Geoffroy lors d’une résidence de création ; Jeff Alluin à qui j’ai confié un solo de piano sur un titre entier ; et enfin Sylvain Barou, qu’on ne présente plus, maitre du souffle et talentueux joueur de duduk, instrument arménien que j’apprécie beaucoup.

La situation sanitaire vécue l’année dernière et durable a-t-elle eu un effet sur l’inspiration de tes compositions et thèmes traditionnels, thèmes issus du milieu breton ?
La plupart des morceaux ont été composés avant la crise sanitaire. C’est l’annulation des concerts qui a mis à mal nos projets, nos ambitions, notre moral. Les longs moments de confinement m’ont poussé à boucler l’écriture, les arrangements et organiser les répétitions et les séances studio.

Ce sont surtout les histoires qui m’inspirent, les failles de certains personnages, les anecdotes et faits du passé, certaines complaintes.

Voudrais-tu me parler d’un morceau de l’album en particulier ?
L’homme de cuir (1er titre) pourrait être, comme Henri Bugais cité à plusieurs reprises sur l’album, un personnage imaginaire. Il a pourtant bien existé aux Etats-Unis dans la seconde moitié du 19e siècle, sous le surnom Leatherman. Ce vagabond, vêtu d’un manteau de pièces de cuir récupérées et cousues les unes aux autres, marchait beaucoup et parlait peu. Ce qui a suscité l’intérêt des journalistes, c’est son circuit sur plusieurs états du Nord de la Nouvelle-Angleterre, répété pendant une trentaine d’années, et surtout sa régularité. Il était repéré aux mêmes endroits aux mêmes moments.

Ce morceau ouvre ainsi l’album sur un ostinato, et l’homme de cuir nous rappelle que tout est cyclique, que rien n’arrête le voyageur sans souci. Le texte en breton, composé par Gildas Le Buhé pour ce morceau, le souligne également.

Que pouvons-nous te souhaiter pour la suite ?
Que cette musique voyage autant que possible, que tous les artistes – je les remercie au passage de s’être investis dans mon délire – aient la scène grande ouverte, qu’on aille à la rencontre des publics sans subir de décisions arbitraires du gouvernement

Régis Huiban & l’Ensemble des imaginaires – Waiting for tea time
(prod La Compagnie des Possibles / distr. L’Autre Distribution)

Propos recueillis par Laetitia

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Peux-tu nous expliquer comment tu as découvert la musique et pourquoi tu as choisi l’accordéon ?

Personne de ma famille ne jouait de musique mais dès mon plus jeune âge, la plupart de mes jouets étaient des instruments de musique. Quand j’ai pu jouer des petites pièces sur un clavier tout minable, mes parents m’ont inscrit à l’école d’accordéon, conseillés par leurs amis, je crois me souvenir. J’ai accroché, sans me poser de question sur l’instrument, ça aurait pu être un piano ou un violon, j’aurais sans doute fait ce même chemin musical.

Peux-tu nous raconter ton parcours musical?

Tout gamin j’ai commencé par jouer le répertoire du bal musette, dans une « école d’accordéon » à Quimperlé, chez Jo Jégado. A l’époque, j’avais 9 ans, et malgré mon jeune âge, très vite j’ai pu jouer dans les bals de noces, à la radio, etc. Deux ou trois ans avant j’avais intégré la fanfare du Faouët pour y prendre mes premiers cours de solfège. Ce n’est qu’arrivé au lycée que je me suis intéressé à la musique bretonne, avec ma rencontre avec  Julien Le Mentec. Avec lui, je découvre à la fois les danses bretonnes et le répertoire de fest-noz et on monte ensemble le groupe Tan Ba’n Ty. C’est donc vers 1990 que j’ai « glissé » du bal musette au bal breton.

Du coup, grand bain dans le fest-noz dès l’adolescence… tu te souviens quel regard tu portais sur cette musique ou ce milieu à l’époque?

J’ai un peu l’impression d’avoir fait le parcours à l’envers en quelque sorte : j’étais vraiment dans l’apprentissage de ce répertoire, et pourtant très vite,  je me suis retrouvé à animer un fest-noz presque tous les week-ends. Il a fallu jouer et s’affirmer en groupe en ayant « grillé » les étapes d’imprégnation, d’écoute des sources, des sonneurs ou chanteurs. Pour ma part le collectage est arrivé après parce qu’à ce moment là, je n’avais pas forcément envie de creuser le sujet. J’ai surtout vu dans la musique bretonne l’opportunité d’être sur scène en me faisant bien plus plaisir que dans le bal populaire que je ne supportais pas, même si cette « école du terrain » m’avait fait progresser.

Et tu n’as plus jamais quitté le milieu de la musique traditionnelle, voire tu y as plongé la tête la première. Comment tu expliques ça ?

En effet, entre 1990 et 2000, c’est pour moi une période de boulimie de travail personnel : connaître les pas de danse bretonne, prendre des cours de piano en plus du perfectionnement à l’accordéon, des écoutes d’enregistrements à Dastum, un peu de bombarde en couple avec Fred Miossec dans les veillées, les concours, les festoù-noz trad, un passage au bagad du Faouët et l’écriture des partitions de concours, j’ai aussi donné des cours. Puis en 1999, j’ai effectué un travail de collectage auprès des chanteurs sur les 21 communes du Pays Pourlet. Peu de temps avant, je rencontre Roland Becker qui m’invite à jouer en duo (saxophone/accordéon) et je prends goût aux musiques de concert, à la composition et à l’improvisation.

Pourquoi as-tu choisi d’en faire ton métier ?

Tout est allé très vite et naturellement : dès 1994 j’en ai fait mon métier. La scène me plaisait (et me plaît toujours). Les rencontres musicales étaient enfin possibles. Cette musique traditionnelle rassemble tous les âges, elle nous emporte vers la transe. Je ne me suis pas posé de questions.

Comment as-tu évolué musicalement ensuite ?

Dès 2001, j’ai eu envie de progresser encore. Je me projetais vers du concert, le nombre de festoù-noz diminuait aussi. J’ai donc suivi 2 stages de jazz, tout en continuant le travail avec Roland Becker (dont le groupe Mr Kerbec et ses belouzes). En juillet 2003, a eu lieu le premier concert avec mon propre groupe (Régis Huiban Quartet). Dans ces différents projets, je retrouve l’accordéon du passé (celui du bal), l’instrument du diable (dans la musique bretonne) et le jazz (mon attirance vers l’improvisation).

Comment arrives-tu à trouver un équilibre entre tous ces aspects?

L’instrument est caméléon. Aujourd’hui, c’est la création qui l’emporte, l’envie de partager avec d’autres musiciens mes compositions, en gardant un pied dans le « trad qui pue » ! J’adore orchestrer une musique pour un quintet ou arranger une musique pour un ensemble d’élèves en master class, créer dans l’instant sur scène ou encore faire danser en solo. L’accordéon m’a amené,  grâce à toutes ces expériences vers le spectacle de rue, le théâtre musical, la chanson française, le spectacle pour enfants, ou encore le fest-noz avec Wipidoup ou Skolvan. Mais cela m’a également permis de travailler la composition et l’improvisation, notamment sur mes albums, l’accompagnement de comédiens/poètes, le solo (exercice parfois périlleux…)  jusqu’à aujourd’hui où je suis « sideman » dans Soufffles3 , le nouveau trio du clarinettiste Michel Aumont ( avec Youn Kamm à la trompette).

Tu continues parallèlement à donner des cours et te tourner vers l’enseignement.

En effet, la notion de passage me semble indispensable et indissociable de mon métier de musicien. Ce lien de maître à élève m’a toujours suivi. Et puis arrive un temps où l’on est sollicité pour transmettre à notre tour, j’avoue que ça me plaît ! Je viens même de sortir un recueil de partitions chez Paker Prod, qui fait suite à mon CD trad solo. Je ne laisse pas de côté la facette enseignement. La preuve: le 1er avril, ce boulot m’a mené en Asturies pour une master class  et j’anime régulièrement des stages!

Est-ce que ta carte blanche diffusée sur CanalBreizh le vendredi 7 Avril reflète un peu tous ces aspects de ta personnalité musicale?

Elle est plus nostalgique, elle comporte des titres que j’écoutais beaucoup il y a 20 ans. Mais aussi des musiques bien arrangées, nuancées, avec quelques prises de risques. Oui ça me correspond… Étonnamment, il y a beaucoup de chant. J’adore les voix. D’ailleurs, je pose ma voix déjà sur mes disques depuis 2003, et sur scène aussi suivant l’humeur, suivant l’état de l’improvisation, mais je ne chante pas.

http://www.regishuiban.com/

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Régis, tu as déjà un long parcours depuis tes débuts à l’âge de 6 ans dans la fanfare du Faouët … Un parcours que tu marques toi-même par 3 grandes périodes. Tu peux nous en dire un peu plus ?

En solo, en duo, en quartet ou au sein de nombreux groupes très connus des danseurs comme Wipidoup, Skolvan ou Tan Ban Ti, en concert ou en fest-noz, tu explores de nombreux univers musicaux : c’est un choix de vouloir sans cesse te remettre en question ? Cela demande surement un gros travail artistique ?
Impossible de figer l’image sonore. La musique bretonne est d’une telle richesse que je ne peux me fixer un seul univers et l’instrument que je pratique offre de nombreuses possibilités d’interprétations et d’arrangements. La composition fait aussi partie de mon travail, cela va bien au-delà d’une remise en question. Les comportements sont bien différents selon que je joue en groupe, en duo ou en solo, j’aime beaucoup ces « changements de costumes ».

« Mille boutons », c’est ton dernier album tout juste sorti dans les bacs. Peux-tu nous le raconter en quelques mots ?
C’est une parenthèse « trad » en solo. Après plusieurs albums de création dans mon quartet ou avec Wipidoup ou Skolvan, j’avais besoin d’enregistrer le répertoire des anciens accordéonistes. Tous ces thèmes sont consultables à Dastum et en matière de défrichage, il est bon de noter le travail remarquable de Bernard Lasbleiz, entre autres.

J’ai trouvé important (et c’est aussi le bon moment) de poursuivre cette démarche de transmission. On y retrouve inévitablement les gavottes des célèbres Yves Menez, Jean Coatéval, Yves Gac, les danses Pourlet de Job Jobica Hingant, ou encore la danse Plinn d’André Maguet…
« Mille boutons », c’était aussi le nom donné au costume masculin du pays Pourlet.
Sur cet album, je joue également de l’accordina (genre de mélodica à touches boutons). L’instrument est rarissime sur la scène bretonne, et c’est une première sur un disque de danse bretonne.

Tu as une discographie impressionnante : 14 albums en tout dont le 5^ème en solo après ton triptyque « Sans-sommeil, 1732 et Le Train Birinik » et ton album sur les danses du pays Pourlet si je ne me trompe pas ? Quel(s) est(sont) ton(tes) coup(s) de cœur ?
Le triptyque, c’est une aventure musicale de 10 ans avec mon quartet + des invités. Le plus intense a été l’enregistrement de l’album « Le Train Birinik » qu’on joue aujourd’hui en concert. J’ai bien aimé aussi travailler avec Gildas Le Buhé, Pierrick Tardivel et Philippe Gloaguen sur les disques de Wipidoup, surtout « Kail a Gorrion » destiné aux enfants.

En plus de ces albums, souvent en groupe, il y a eu quelques participations intéressantes avec Roland Becker (sur l’album Er roue Stevan) et plus récemment dans l’Idéal Jazz Menez (avec entre autres les accordéonistes Patrick Lefebvre, Jean Floch et Yann Le Corre).

Pour terminer, un petit mot pour les adeptes de Tamm-Kreiz ?
Les musiques et danses bretonnes ont encore de beaux jours devant elles si l’équilibre se maintient entre petits lieux et grosses productions, si nos disques se vendent en direct et non en téléchargement illégal et si le live est préféré au virtuel. Au plaisir de vous voir sur les planchers cirés !

Pour en savoir plus :

• Site Internet : http://regishuiban.com/
• Lien TK : http://www.tamm-kreiz.com/artiste/1918/huiban-regis.html

Crédits photos : les 2 photos sont de Clémentine de Rechniewski et la pochette du CD « Mille boutons » est un cliché de Serj Philouze.

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